5 technik pisania, które każdy pisarz powinien wypróbować, aby uzyskać rozmiar

Szukasz świeżych technik pisania, aby rozwinąć swoje umiejętności lub pomóc ci przebić się przez blok pisarski? Oto 5 technik, które możesz zastosować do dowolnej fikcji, nad którą pracujesz. Dlaczego nie przymierzyć ich rozmiaru i zobaczyć, które pasują!

1. Utrzymywanie narracji ugruntowanej w działaniu

Kiedy myślimy o „dobrym piśmie”, wielu z nas wyobraża sobie kwiecistą prozę, która podnosi duszę i wznosi się na poziom poezji. Ale chociaż wszyscy uwielbiamy oszałamiające zwroty, takie podejście często prowadzi do pisania, które nie jest zakotwiczone w danym momencie — co wydaje się luźne, powolne i bezkierunkowe. Aby Twoje pisanie było wciągające i natychmiastowe, pamiętaj o tych dwóch podstawowych zasadach pisania.

Pokaż, nie mów

Zawsze, gdy czujesz potrzebę opisania czegoś, znajdź sposób, aby to zrobić poprzez działanie. Na przykład, jeśli opisujesz ubrania postaci, możesz napisać:

Nora była zimna. Miała na sobie sięgający do kostek futrzany płaszcz z trzema złotymi guzikami.

Jednak biorąc te dwa zdania do opisu płaszcza Norah, tworzy się pięć sekund, podczas których czytelnik zostaje wyrwany z narracji. Zamiast tego możesz kontynuować akcję, używając pokazu, nie mów techniki:

Norah zadrżała. Idąc przez Stortorvet , podciągnęła kołnierz swojego długiego do ziemi futra, drapiąc się, by zapiąć trzy błyszczące złote guziki.

W tej drugiej wersji otrzymujemy te same informacje, ale zamiast statycznego mentalnego obrazu płaszcza, widzimy także akcję sceny. Zamieniając swoje opisy w działania, możesz pomóc utrzymać historię w ruchu. W końcu, kiedy ludzie czytają twoją książkę, powinni pomyśleć , co będzie dalej?, nie zastanawiam się , jak to wygląda.

Unikaj głosu biernego, korzystaj z głosu aktywnego

Najlepszym sposobem na opisanie głosu biernego i aktywnego jest kilka przykładów:

Pasywny: zraniły mnie jego komentarze.

Aktywny: Jego komentarze mnie ranią.

Pasywna: harcerze zainspirowali się odwagą astronauty

Aktywny: odwaga astronauty zainspirowała harcerzy.

Pisanie biernym głosem jest często bardziej workowate: używasz więcej słów, aby wyrazić tę samą ideę. Nie jest szczególnie wydajny. Co więcej, głos pasywny tworzy również niezręczne poczucie dystansu między postaciami zaangażowanymi w akcję a samą akcją. Jako „dobrą praktykę” staraj się aktywnie pisać, aby uzyskać dodatkowy wpływ i zaangażowanie.

Więcej informacji na ten temat znajdziesz w naszym poście o głosie pasywnym i aktywnym.

2. Aktywacja zmysłów

Jedną z technik pisania, która może tchnąć nowe życie w twoją pracę, jest skupienie się na często pomijanych zmysłach. Czytelnicy są przyzwyczajeni do wiedzy, jak rzeczy wyglądają i brzmią („miał ciemne, paciorkowate oczy jak jastrząb; jego głos był głęboki i żwawy jak tuba w zespole oompah”), ale często możesz nadać swojemu pisaniu większy wymiar, wywołując zapachy , smaki i wrażenia dotykowe.

Zapach

Rzadko wspominamy o tym, jak coś pachnie, chyba że jest to wyjątkowo przyjemne lub paskudne — ale nasze nosy pamiętają rzeczy, o których nasze oczy dawno zapomniały. Pisząc, starannie przywołany zapach może przywołać własną pamięć zmysłową czytelnika: zapach świeżo posmarowanego masłem popcornu może zabrać cię do holu kina; powiew płynów ustrojowych zamaskowany środkiem dezynfekującym może przetransportować Cię do szpitala.

Przykład: perfumy Patricka Suskinda

W okresie, o którym mówimy, w miastach panował smród ledwo wyobrażalny dla współczesnych mężczyzn i kobiet. Ulice cuchnęły obornikiem, podwórka moczem, klatki schodowe cuchnęły butwiejącym drewnem i szczurzymi odchodami, kuchnie zepsutą kapustą i baranim tłuszczem; Niewietrzone salony śmierdziały stęchłym kurzem, sypialnie zatłuszczone prześcieradła, wilgotne pierzyny i cierpko słodki zapach nocników.

Smak

Podobnie jak zapach, smaki mogą mieć wpływ na poruszanie czytelnika. Słynny w Prousta Remembrance of Things Past, nasz narrator delektuje się świeżo upieczoną magdalenką, która otwiera skarbnicę wspomnień z dzieciństwa. W podobny sposób możesz wykorzystać wspólne doświadczenie smakowe czytelnika — zarówno pyszne, jak i odrażające — aby wywołać reakcję sensoryczną, która wciąga go w przestrzeń twojej postaci.

Przykład: Sweetbitter autorstwa Stephanie Danler

– Wow – powiedziałem. I miałem to na myśli. Nigdy nie myślałem o pomidorach jak o owocach — te, które znałem, były w większości białe w środku i twarde jak skała. Ale to było tak soczyste, tak cierpkie, że uznałem, że to zwycięskie. Tak więc – niektóre pomidory smakowały jak woda, a inne smakowały jak letnie błyskawice”.

Obrazy dotykowe

Pisanie za pomocą zmysłu dotyku to o wiele więcej niż opisywanie uczucia piasku przez palce czy jedwabnej chusty na ramionach. Chociaż tekstury mają kluczowe znaczenie dla stworzenia pełnego opisowego obrazu, dotyk obejmuje również wrażenia, które zwykle myślimy jako pod skórą, takie jak upał, kłucie ze strachu lub wicie się w agonii. Zrób to dobrze, a obrazy dotykowe mogą zachęcić czytelników do całkowicie wciągających wrażeń fizycznych.

Przykład: Życie Pi autorstwa Yanna Martel

„Gdy upał był nie do zniesienia, wziąłem wiadro i wylałem na siebie morską wodę; czasami woda była tak ciepła, że ​​przypominała syrop”.

3. Wybór unikalnego punktu widzenia

Akcja leżąca u podstaw każdej sceny może być przedstawiona na niezliczone sposoby, w zależności od tego, kto ją obserwuje. Załóżmy, że w twojej historii lekarz bada pacjenta. Najpierw opiszmy to z punktu widzenia lekarza:

Dr Hartmann przesunął stetoskopem przez klatkę piersiową Ronny — kasiarz nasłuchujący jednej z tysiąca możliwych wskazówek, które mogłyby odblokować stan jej pacjenta.

I jeszcze raz z perspektywy pacjenta:

Ronny skrzywił się, gdy zimna stal stetoskopu przesunęła się po jego mostku. Głowa lekarza była przechylona pod kątem, oczy bezmyślnie utkwione w środkowej odległości.

W obu wersjach akcja sceny jest identyczna, ale wrażenie lekarki przez czytelnika zmienia się całkowicie w zależności od punktu widzenia. W pierwszym lekarz jest fajnym profesjonalistą; w drugim są nieodgadnione — beznamiętny mechanik wykonujący ruchy.

Zanim napiszesz jakąkolwiek książkę, rozdział lub scenę, zawsze powinieneś zadać sobie pytanie, czyja to historia i czyje oczy powinniśmy to zobaczyć? W większości współczesnych narracji postać z punktu widzenia i protagonista to jedno i to samo — ale jest wiele świetnych powodów, aby wybrać inną postać z punktu widzenia (niezależnie od tego, czy dotyczy to pojedynczego rozdziału, czy całej książki).

Chcesz dowiedzieć się więcej? Sprawdź nasz kompletny przewodnik po punkcie widzenia!

Nadaj swojemu bohaterowi atmosferę tajemniczości

The Great Gatsby Fitzgeralda jest znany z POV Nicka Carrawaya, który wspomina lato, kiedy przeprowadził się do Nowego Jorku i zaprzyjaźnił się z Jayem Gatsbym. Tajemniczy milioner na scenie towarzyskiej Long Island. Sekrety i intencje Gatsby'ego są stopniowo ujawniane czytelnikowi, gdy Nick opowiada historię swojego przyjaciela.

W większości przypadków związany z wydarzeniami z powieści, Nick jest outsiderem i podglądaczem — jednak jako sam bohater, jego uprzedzenia filtrują i zabarwiają nasze postrzeganie innych postaci i ich działań. Wiedząc o tym, czytelnik nigdy tak naprawdę nie czuje, że rozumie Gatsby'ego. Nadaje to protagoniście tajemniczości i rzuca ciemną zasłonę na narrację – taką, która rozpłynęłaby się, gdyby sam Gatsby był postacią POV.

Wprowadź swoich czytelników w nowy świat

Dość często postacie z punktu widzenia są projektowane jako „proxy czytelników”: postacie, z którymi czytelnicy będą się naturalnie identyfikować. Może to być przydatne, jeśli Twoja historia rozgrywa się w otoczeniu, którego większość ludzi nie zna.

Na przykład, jeśli twoja historia rozgrywa się w tajemniczym środowisku okrętu podwodnego marynarki, możesz opowiedzieć ją z punktu widzenia nowego rekruta. Dopasowanie postaci z punktu widzenia do czytelnika może pomóc widzom przenieść się do nieznanego świata, dając mnóstwo okazji do wstawienia ekspozycji do swojej historii w angażujący sposób, na przykład poprzez dialog lub specjalne urządzenie, takie jak podręcznik.

Wrzuć czytelników na głęboką wodę

To powiedziawszy, dobre pisanie nie zawsze polega na ułatwianiu rzeczy. Czytelnicy są dość biegli w nadrabianiu zaległości, więc często lubią być zanurzeni w nowym środowisku, a nie wyprowadzani z bezpiecznej linii bocznej.

Czasami postać z punktu widzenia, która jest całkowicie osadzona w swojej społeczności lub na przykład weteran w swojej branży, może zapewnić pouczającą perspektywę – nawet jeśli oznacza to początkowo wrzucenie czytelników na głęboką wodę.

Wspaniałe w tych postaciach jest to, że ich wgląd pozwala ci obserwować zmiany, niuanse i drobniejsze szczegóły twojego otoczenia. Jest to szczególnie przydatne, gdy twoja historia bada społeczność, której sekrety są znane tylko wtajemniczonym — na przykład liceum lub elita Hollywood.

Zapewnij rozświetlony punkt kontrastu

Chociaż Nick Carraway jest outsiderem w tym sensie, że nie jest w centrum wydarzeń z powieści, nie jest prawdziwym outsiderem, ponieważ nie myśli ani nie zachowuje się tak odmiennie od innych postaci. Gdyby Fitzgerald chciał stworzyć wyraźny kontrast między narratorem a protagonistą, mógłby poprosić mechanika George'a Wilsona o narrację Wielkiego Gatsby'ego – POV, który wywołałby zupełnie inną reakcję czytelników.

Aby postać POV stanowiła punkt kontrastu, nie muszą istnieć w całkowicie oddzielnym kręgu. Na przykład, jeśli piszesz romans historyczny, którego akcja rozgrywa się w społeczeństwie rządzonym konwencjami, postać z punktu widzenia, która dostrzega snobizm towarzystwa, które prowadzi (pomyśl Lizzie Bennet z „Dumy i uprzedzenia ”), może sprawić, że czytelnik nie stanie się zbyt uwikłany w jego sposób myślenia — dodanie do swojego pisania elementu społecznego komentarza, a nawet satyry.

4. Eksperymentowanie z różnymi formami

Pisarze wybierają różne sposoby przedstawiania narracji — wiersze, scenariusze, powieści, eseje — ale bez względu na to, w jakiej branży się znajdujesz, przekraczanie granic i eksperymentowanie z formalną strukturą swojego pisania jest zawsze świetnym sposobem na zachowanie świeżości .

Chociaż medium, takie jak list lub wycinek z gazety, może wydawać się restrykcyjne — ze względu na dodatkowe ograniczenia formatowania i być może tonu — eksperymentowanie z formą jest techniką pisania, która może uwolnić nieograniczoną kreatywność.

narracje epistolarne

W narracji epistolarnej historia opowiadana jest w formie listów. Może być napisany pojedynczym znakiem dla osoby, której odpowiedzi nie są słyszane lub wysyłane między dwoma lub więcej znakami, których punkty widzenia są reprezentowane.

Efektem epistolarnej narracji jest intymny rodzaj podglądactwa — ze względu na wrodzoną autentyczność stylu czujemy się tak, jakbyśmy zaglądali w życie osobiste autora listów. To przybliża nas do postaci i tworzy rodzaj konspiracyjnej relacji.

Klasyczna książka, która robi to szczególnie dobrze, to Dangerous Liaisons . Złożona z listów przekazywanych między dwoma byłymi kochankami, epistolarna forma sprawia, że ​​czytelnik staje się wspólnikiem w ich uwodzeniach.

E-maile i komunikatory

Sposób, w jaki się ze sobą komunikujemy, nieustannie się zmienia — w rzeczywistości większość listów, które otrzymujemy w dzisiejszych czasach, trafia prosto do kosza. Tak więc niektóre nowsze narracje epistolarne odzwierciedlają tę zmianę, zamieniając litery na e-maile.

Wymiany e-maili rozsiane po powieściach Sally Rooney działają jak listy, aby zbliżyć nas do bohaterów i dać nam wgląd w ich relacje — dowiadujemy się, czym dzielą się z ludźmi w swoim życiu, a czego nie.

Wiadomości błyskawiczne mogą wydawać się jeszcze bardziej autentyczne dla współczesnych odbiorców. W powieści Queenie z 2019 roku protagonista zbiera trójkę przyjaciół na czacie grupowym, z którego otrzymujemy regularne fragmenty. Ta forma nie tylko wyostrza głosy bohaterów, ale przekazy są tak znajome dla współczesnego czytelnika, że ​​dynamika grupy jest natychmiast wiarygodna.

Dzienniki i inne dokumenty formalne

Eksperymentując z formą, nie bój się myśleć nieszablonowo. Dopóki pomaga opowiedzieć historię, wszystko jest ważne — czy to raport lekarza, kwestionariusz, przesłuchanie, czy dziennik pokładowy.

Możesz napisać całą swoją opowieść w jednej formie, jak robi to Joyce Carol Oates w „...& Answers”. Zorganizowana jak sesja terapeutyczna, Oates stawia na dialog pytań i odpowiedzi, czyniąc go jednostronnym: czytelnik pozostawia się spekulować na temat tego, co mówi druga osoba w rozmowie.

Mieszanie form w pisaniu może być również ciekawym sposobem na eksperymentowanie. Dracula Brama Stokera, na przykład, opiera się na wycinkach z gazet, dzienniku okrętowym, dzienniku medycznym, telegramach i wpisach w pamiętniku, aby zbudować skumulowany obraz wydarzeń. Jego użycie formy uwiarygadnia nieprawdopodobną skądinąd historię.

5. Skompresowanie wszystkiego w krótkim czasie

Bez względu na to, którą formę wybierzesz ze swojego arsenału, coś, czego obawia się każdy pisarz, jest luźnym i meandrującym środkiem: narracją, która traci napięcie. Aby uniknąć tego powszechnego faux pas, posłuchaj rady dwóch mistrzów opowiadania krótkometrażowego, Ernesta Hemingwaya i Kurta Vonneguta, i ogranicz swoją narrację do jak najkrótszego czasu. Ta technika pisania złotej etykiety powinna pomóc Ci dodać rozmachu do powtarzalnej pracy bez steru.

Spóźnij się, wyjdź wcześnie

Złota zasada pisania Kurta Vonneguta mówi, że każda historia powinna zaczynać się jak najbliżej końca. Aby nie wycinać najbardziej mięsistej części narracji, możesz zinterpretować to jako oznaczające w środku akcji - lub w medias res . Pomijając podżegający incydent i łącząc wszelkie niezbędne ekspozycje w narastającą akcję, skracasz czas trwania swojej historii i utrzymujesz sprawność pisania.

Inną strukturą fabularną, która zaczyna się wraz z narastającą akcją, jest Krzywa Fichteana. W tej strukturze protagonista napotyka kilka przeszkód w oczekiwaniu na punkt kulminacyjny; ekspozycja jest płynnie wkomponowana w akcję, a wszystko pozostaje nierozwiązane do samego końca — kiedy zwiążesz wszystko i szybko wyjdziesz.

To pełne napięcia podejście sprawdza się szczególnie dobrze w przypadku tajemnic i thrillerów, ale jeśli twoje pisanie wydaje się być lżejsze na fabule, ta technika pisania może nadal pasować. Fikcja literacka, która koncentruje się na nastroju, przypisuje znaczenie przyziemności lub zanurza się w psychikę postaci, może skorzystać na podejściu „winietowym”. Zwięzły, ale sugestywny opis chwili w czasie jest często najlepszym sposobem na uchwycenie osoby, wydarzenia lub miejsca w dziele pozbawionym fabuły.

Teoria góry lodowej Hemingwaya

Pisarze, którzy próbują ograniczyć liczbę słów lub ramy czasowe, wkrótce przekonają się, że wiele z tego, co wcześniej powiedzieliby z góry, teraz musi być sugerowane. Pomysł, że czytelnik będzie musiał wywnioskować niektóre szczegóły twojej historii, jest dokładnie tym, do czego Hemingway doszedł ze swoją „Teorią góry lodowej” – która zakłada, że ​​powinieneś dostarczać czytelnikom tylko najbardziej istotny element swojej narracji.

Chociaż wspaniale jest znać tajniki wymyślnych historii swoich postaci i mieć dalekosiężne plany na przyszłość, w tej obecnej pracy czytelnicy muszą tylko znać to, co tu i teraz. Postaraj się więc zachować dla siebie większość tego, co wiesz o przeszłości i przyszłości postaci, w tym tylko to, co jest bezpośrednio istotne. W ten sposób nie tylko trzymasz jakąś fabułę w banku na sequel, ale także utrzymujesz zainteresowanie swoich czytelników dzięki wglądowi w krople.

Aby dowiedzieć się, jak zamienić niewykorzystaną fabułę we własną narrację, zajrzyj do naszego postu o tym, jak napisać serial!

I tym razem dopełnimy tę listę. Miejmy nadzieję, że jedna z tych pięciu technik pisarskich pomoże ci odświeżyć prozę, a może nawet udoskonalić dłuższą pracę. Jeśli wszystko pójdzie dobrze, możesz skończyć z czymś, co chciałbyś opublikować!

Koniecznie zapoznaj się z naszymi wskazówkami dotyczącymi samodzielnej edycji, a następnie spójrz na te zasoby publikowania:

• Jak opublikować opowiadanie
• Jak wydać książkę
• Jak samodzielnie opublikować książkę