5 maneiras de escrever uma boa música

Escrever uma grande música é metade do trabalho pesado no dia de um compositor. Inventar uma melodia as pessoas podem lembrar depois de uma ou duas escutas e cantar junto – agora há uma habilidade!

Felizmente, existem algumas regras práticas consagradas pelo tempo que dão uma ideia do que contribui para uma melodia bem-sucedida.

Primeiro, uma melodia é apenas um monte de afinações relacionadas (notas) cantadas ou tocadas por diferentes períodos de tempo (ritmo). O que você tem que decidir é quais notas, mantidas por quanto tempo . 50% da melodia são as notas que você usa e 50% é o ritmo que você toca ou canta.

Em segundo lugar, a maioria das boas músicas tem um pequeno núcleo de uma ideia dentro delas chamada motivo – um pequeno grupo central de notas em um certo ritmo. Geralmente, um motivo é curto – não mais do que 2-8 notas – mas é distinto e funciona como o identificador de uma música, como as duas notas (uma repetida) na primeira palavra da famosa música dos Beatles, Yesterday.

Em terceiro lugar, é organizada a maneira como as notas da melodia de uma música mudam ao longo do tempo. O núcleo de uma melodia é o motivo, mas é construído em frases mais longas, que são formadas em seções de música como um verso. Comumente, são usados ​​comprimentos de cerca de 4 a 8 barras e várias técnicas para construí-las.

Melodias usam repetição – seja exatamente ou como sequências – mesmo ritmo, mas começando em um tom diferente. Isso ajuda no reconhecimento de qual é a melodia. As melodias também usam variação – para não morrermos de tédio. Em Yesterday , o motivo é ouvido novamente um pouco mais alto nas palavras distantes.

Em quarto lugar, a diferença de afinação entre as notas que você usa, sejam elas próximas ou mais afastadas, é chamada de intervalo . As notas podem ser separadas por um passo (um tom inteiro ou meio tom), um salto (dois tons inteiros) ou um salto (três tons inteiros ou mais). Os intervalos que você escolher entre quaisquer duas de suas notas podem subir (subir), descer (descer) ou permanecer o mesmo (uníssono).

A escolha dos intervalos que um compositor utiliza em uma melodia acaba dando uma forma à melodia chamada contorno . Acertar isso ajuda a tornar a melodia mais fácil ou mais difícil de cantar e lembrar. Não há forma suficiente e a melodia nunca vai a lugar nenhum, mas muitos saltos entre as notas tornam uma música mais difícil de cantar ou ser facilmente retida.

Finalmente, a maioria das melodias usará a nota fundamental (também chamada de tônica) e a quinta nota da escala em algum estágio (também conhecida como dominante). Isso faz parte de estabelecer em que tom a melodia está e, em seguida, criar tensão dentro da melodia, afastando-se dessa base. A quinta nota na escala é o mais distante da nota fundamental que você pode ir.

Esses são alguns princípios a serem observados, mas como você pode aplicá-los ou adaptá-los à sua própria música? Aqui estão 5 maneiras de começar. São maneiras diferentes de estimular sua própria invenção melódica, começando primeiro o tom ou o ritmo primeiro . Pense neles como iniciadores de fogo!

• Use as notas de uma escala para escrever um motivo
• Use as notas de um acorde
• Vá nu – sem instrumento e crie do nada, vocalmente.
• Ritmo primeiro (notação ou com um prompt de batida)
• Comece com uma letra. Diga as palavras em voz alta e deixe que os padrões naturais de estresse da fala lhe dêem uma ideia para um ritmo.

1. Comece com uma balança

Seja qual for o instrumento ou DAW que você está usando, escolha uma escala e use-a como seu próprio alfabeto privado de notas potenciais . A ideia é improvisar com combinações curtas de notas – em diferentes ordens e ritmos – para encontrar conexões que prendam seu ouvido e despertem sua imaginação.

Pode ajudar a percorrer os intervalos passo a passo, em saltos ou saltos, explorando as relações entre duas notas tocadas uma após a outra. E não se esqueça de mudar de direção também – um intervalo ascendente ou descendente pode mudar tudo.

Confira a melodia da canção popular, Joy to the World . É apenas uma escala maior descendente, mas o truque está no ritmo.

Além da escala maior, existem também os três tipos de menor – natural, harmônico e melódico para trabalhar. E ambas as escalas maior e menor fazem parte da família mais ampla de modos . Você também pode tentar usar as escalas pentatônicas mais curtas também.

O objetivo é brincar com a geração de um motivo próprio que você pode desenvolver em 'algo', de acordo com seu próprio gosto. Se você sempre usa uma determinada tecla ou tipo de escala, agite-a desde o início com um novo 'alfabeto de notas'. Explore suas opções.

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2. Use seus acordes

Se você já tem uma progressão de acordes, outra maneira de escrever a música é usar as notas individuais dentro dos acordes como ponto de partida. Brinque com a reordenação dos arpejos. Havana (Camila Caballo) é um bom exemplo. O verso tem um motivo muito forte que usa todas as três notas, que compõem o primeiro acorde da progressão da música, Sol menor.

As notas da música são B♭D, B♭ novamente, e então G. Basicamente, é um arpejo descendente G menor. Ajuda que duas dessas notas (G e B♭) também sejam encontradas no segundo acorde da progressão, E♭maior. Simples, mas simples nem sempre é fácil!

Alguns pontos extras a serem observados: a) a melodia não começa na nota fundamental (neste caso G para G menor) b) as notas dentro do motivo são repetidas. Ha-va-na-o-na-na - apenas 3 notas, mas 7 notas. c) o motivo inteiro é repetido três vezes seguidas – uma ótima maneira de fazer com que a melodia grude!

3. Go Naked – livre de instrumentos

Saia do seu estúdio e vá para algum lugar com apenas seu gravador de voz ou telefone como companhia e puxe uma música do nada. Se você puder caminhar em algum lugar, ótimo – seu corpo já está se movendo em um ritmo.

Mas isso também funciona se você estiver andando de trem ou na parte de trás de um ônibus de turismo, algum meio de transporte quando você pode sonhar acordado... e tentar cantar alguma coisa – qualquer coisa. Grave-o à medida que avança. Dê a si mesmo uns bons 30 minutos sem edição.

A ideia não é obter uma ótima performance vocal, mas permitir que fragmentos melódicos venham à tona. A menos que você tenha um tom perfeito, a tonalidade pode variar de uma para a qual você costuma gravitar, os prompts podem ser subliminares ou diretamente ambientais – o que você vê enquanto viaja e pode mudar sua perspectiva de composição.

Um exemplo em que esse método foi o pontapé inicial para uma música foi quando um guitarrista de um grupo de rock alternativo de sucesso aqui na Nova Zelândia foi para sua carreira regular. Ele não tinha um telefone com ele, mas uma ideia para uma música veio a ele no casco, então ele correu para uma cabine telefônica pública no caminho e ligou para casa para deixar uma mensagem de voz.

4. Concentre-se no Ritmo

Uma melodia tem duas grandes variáveis ​​– não apenas as notas que você usa, mas o tempo que cada nota é mantida: também conhecido como ritmo. As melodias de muitas grandes músicas são reconhecíveis apenas pelo ritmo da melodia – apenas tente cantar uma de suas músicas sem ritmo. Mais difícil do que você imagina!

Existem algumas maneiras de abordar o trabalho a partir do ritmo primeiro. Você pode usar a notação e configurar um modelo (manuscrito manuscrito ou editor de partitura/DAW) ou começar com uma batida (ao vivo ou discada).

Modelos de notação

Muitas músicas usam seções de 4, 8 ou 16 compassos ou compassos. Comece com 4 compassos e disque uma melodia potencial – apenas uma nota e um ritmo regular.

Assim:

Eu sei - nada que escrever! Mas a partir daí, você pode alterar os valores das notas deliberadamente pouco a pouco, até que talvez o ritmo pareça mais com o que está na sua cabeça. E você pode ver facilmente a ideia um pouco mais rítmica, repetida e variada.

Depois de encontrar um ritmo que você goste, pense em quais seriam os tons reais. Eu fiz isso em tempo real na guitarra, com minha aula de composição online fazendo sugestões sobre como alterar o ritmo e o tom para chegar a uma frase melódica de 4 compassos. Eles sugeriram 'um terço acima' ou 'um terço abaixo', 'começar em algum lugar diferente', 'tornar o final mais complicado' e, no final, algo que era bastante prosaico soou como uma música, muito rapidamente.

Bateristas ao vivo, batidas e plug-ins

Uma das coisas interessantes sobre assistir a trilogia ' Get Back' dos Beatles foi como Ringo Starr estava atento aos esforços de composição de Paul McCartney, John Lennon e George Harrison. Ele estava constantemente fornecendo uma fonte aparentemente infinita de ótimas sensações, cercando os compositores com algo para trabalhar, mas também para gerar rapidamente instintivamente, mas também capaz de tomar direção para fazer as músicas soarem como rascunhos rapidamente. Um benefício para o fluxo de trabalho.

Na falta de um baterista interno maravilhoso à mão, usar quaisquer plugins, baterias eletrônicas ou loops do seu próprio estúdio/laptop é um ótimo lugar para obter uma vibe para cantar ou tocar ideias em resposta ao groove. Uma 'batida' completa geralmente lhe dá conteúdo harmônico, mas não há nada que o impeça de correr apenas com ritmo apenas programando primeiro. Não precisa ser um kit completo, é claro, e muito pode ser feito a partir de sons percussivos mínimos e interessantes.

5. Ritmo lírico – Palavras em primeiro lugar

As palavras vêm em padrões rítmicos acentuados ou acentuados próprios. Usá-los para criar o ritmo melódico pode produzir melodias extremamente cantáveis ​​que se unem firmemente à letra, porque uma melodia criada dessa maneira já tem o ritmo natural das palavras enfatizadas. Este é o molho mágico da prosódia - a união de palavras e música como uma única entidade.

Sempre desde a água-me-lon

é uma linha descartável da música de Paul Simon, The Myth of Fingerprints . As sílabas são cantadas como 8 colcheias iguais ou colcheias, com ênfase em Ev de ever e Wa de melancia. Significado…? O júri está fora disso, mas cara, é fácil cantar!

Muitas frases de conversação estão cheias de tais ritmos. As chances são de que se você pode dizê-lo facilmente, você pode cantá-lo. Encontrar os padrões de estresse ou desestresse em palavras ou frases específicas é chamado de escansão , e dá bons ossos rítmicos à sua melodia em potencial. Ver como suas ideias líricas soam quando você as fala em voz alta e encontrar o ritmo interno pode ser um sólido ponto de partida para uma ótima música.

Há muito o que aprender com as músicas que você ama. É provável que suas melodias contenham alguns dos princípios discutidos, mas todos terão começado de algo bem pequeno e construído a partir daí. Então ouça novamente, ouça com atenção e ouça com atenção! Se alguma vez você estiver preso por um ponto de partida, experimente algumas dessas ideias e escreva algo maravilhoso.