5 façons d'écrire une bonne chanson

Écrire une bonne chanson représente la moitié du travail lourd de la journée d'un auteur-compositeur. Trouver une mélodie dont les gens peuvent se souvenir après une ou deux écoutes, et chanter en même temps – voilà une compétence !

Heureusement, il existe quelques règles de base séculaires qui vous donnent une idée de ce qui contribue à une mélodie réussie.

Tout d'abord, une mélodie n'est qu'un ensemble de notes (notes) chantées ou jouées pendant différentes périodes (rythme). Ce que vous devez décider, c'est quelles notes, tenues pendant combien de temps . 50 % de la mélodie sont les notes que vous utilisez, et 50 % sont le rythme que vous jouez ou chantez.

Deuxièmement, la plupart des bons morceaux contiennent un petit noyau d'idée appelé motif - un petit groupe de notes de base dans un certain rythme. Généralement, un motif est court - pas plus de 2 à 8 notes - mais il est distinctif et agit comme l'identifiant d'une chanson, comme les deux notes (une répétée) sur le tout premier mot de la célèbre chanson des Beatles, Yesterday.

Troisièmement, la façon dont les notes de la mélodie d'une chanson changent dans le temps est organisée. Le cœur d'une mélodie est le motif, mais il est construit en phrases plus longues, qui sont façonnées en sections de chanson comme un couplet. Généralement, des longueurs d'environ 4 à 8 barres sont utilisées et un certain nombre de techniques pour les construire.

Les mélodies utilisent la répétition - soit exactement, soit en séquences - même rythme mais commençant sur une hauteur différente. Cela aide à reconnaître la mélodie. Les mélodies utilisent aussi la variation – pour ne pas mourir d'ennui. Dans Yesterday , le motif se fait entendre à nouveau un peu plus haut sur les mots lointains.

Quatrièmement, la différence de hauteur entre les notes que vous utilisez, qu'elles soient rapprochées ou éloignées, s'appelle un intervalle . Les notes peuvent être séparées par un pas (un ton entier ou un demi-ton), un saut (deux tons entiers) ou un saut (trois tons entiers ou plus). Les intervalles que vous choisissez entre deux de vos notes peuvent monter (monter), descendre (descendre) ou rester les mêmes (unisson).

Le choix des intervalles qu'un auteur-compositeur utilise dans une mélodie finit par donner une forme à la mélodie appelée contour . Bien faire cela aide à rendre la mélodie plus facile ou plus difficile à chanter et à retenir. Pas assez de forme et la mélodie ne va jamais vraiment nulle part, mais trop de sauts entre les notes rendent une chanson plus difficile à chanter ou à retenir facilement.

Enfin, la plupart des mélodies utiliseront la note fondamentale (également appelée tonique) et la cinquième note de la gamme à un certain stade (également appelée dominante). Cela fait partie de l'établissement de la tonalité dans laquelle se trouve la mélodie, puis de la création de tensions dans la mélodie en s'éloignant de cette base. La cinquième note de la gamme est la plus éloignée de la note fondamentale que vous puissiez atteindre.

Ce sont des principes à connaître mais comment pouvez-vous les appliquer ou les adapter à votre propre musique ? Voici 5 façons de commencer. Ce sont différentes manières de susciter votre propre invention mélodique en commençant soit par la hauteur, soit par le rythme . Considérez-les comme des allume-feu !

• Utiliser les notes d'une gamme pour écrire un motif
• Utiliser les notes d'un accord
• Allez nu - pas d'instrument et créez à partir de rien, vocalement.
• Rythme d'abord (notation ou avec une invite de battement)
• Commencez par une parole. Dites les mots à haute voix et laissez les schémas de stress naturels de la parole vous donner une idée de rythme.

1. Commencez avec une échelle

Quel que soit l'instrument ou la DAW que vous utilisez, choisissez une gamme et utilisez-la comme votre propre alphabet privé de notes potentielles . L'idée est d'improviser avec de courtes combinaisons de notes - dans des ordres et des rythmes différents - pour trouver des connexions qui attirent votre oreille et stimulent votre imagination.

Il peut être utile de parcourir les intervalles pas à pas, par sauts ou sauts, en explorant les relations entre deux notes jouées l'une après l'autre. Et n'oubliez pas non plus de changer de direction – un intervalle ascendant ou descendant peut tout changer.

Découvrez la mélodie du chant populaire, Joy to the World . C'est juste une gamme majeure descendante, mais le truc est dans le rythme.

Au-delà de la gamme majeure, il existe également les trois types de mineur - naturel, harmonique et mélodique avec lesquels travailler. Et les gammes majeures et mineures font toutes deux partie de la grande famille des modes . Vous pouvez également essayer d'utiliser les gammes pentatoniques plus courtes.

Le but est de jouer avec la génération d'un motif qui vous est propre, que vous pouvez développer en un « quelque chose », selon vos propres goûts. Si vous utilisez toujours une tonalité ou un type de gamme particulier, secouez-le dès le début avec un nouvel « alphabet de notes ». Explorez vos options.

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2. Utilisez vos accords

Si vous avez déjà une progression d'accords, une autre façon d'écrire la mélodie consiste à utiliser les notes individuelles dans les accords comme point de départ. Jouez avec les réorganiser en arpèges. La Havane (Camila Caballo) en est un bel exemple. Le couplet a un motif très fort qui utilise les trois notes, qui constituent le premier accord de la progression de la chanson, sol mineur.

Les notes de la mélodie sont B♭D, B♭ à nouveau, puis G. Fondamentalement, c'est un arpège en sol mineur descendant. Cela aide que deux de ces notes (G et B♭) se trouvent également dans le deuxième accord de la progression, E♭ majeur. Simple, mais simple n'est pas toujours facile !

Quelques points supplémentaires à noter : a) la mélodie ne commence pas sur la note fondamentale (dans ce cas G pour sol mineur) b) les notes à l'intérieur du motif sont répétées. Ha-va-na-o-na-na - seulement 3 hauteurs mais 7 notes. c) l'ensemble du motif est répété trois fois de suite - un excellent moyen de faire en sorte que la mélodie colle !

3. Go Naked - se libérer des instruments

Sortez de votre studio et allez quelque part avec seulement votre enregistreur vocal ou votre téléphone pour compagnie et sortez un morceau de nulle part. Si vous pouvez marcher quelque part, tant mieux - votre corps bouge déjà à un rythme.

Mais cela fonctionne aussi si vous êtes dans un train ou à l'arrière d'un bus touristique, un mode de transport où vous pouvez rêvasser… et essayer de chanter quelque chose – n'importe quoi. Enregistrez-le au fur et à mesure. Donnez-vous 30 bonnes minutes sans modification.

L'idée n'est pas d'obtenir une grande performance vocale mais de laisser émerger des fragments mélodiques. À moins que vous n'ayez une tonalité parfaite, la tonalité peut varier de celle vers laquelle vous gravitez habituellement, les invites peuvent être subliminales ou directement environnementales - ce que vous voyez pendant que vous voyagez, et cela peut changer votre perspective de composition.

Un exemple où cette méthode a été le coup d'envoi total d'une chanson a été lorsqu'un guitariste principal d'un groupe de rock alternatif à succès ici en Nouvelle-Zélande est allé faire son run régulier. Il n'avait pas de téléphone avec lui, mais une idée de mélodie lui est venue sur le sabot, alors il a couru vers une cabine téléphonique publique en route et a téléphoné à la maison pour la laisser dans un message vocal.

4. Concentrez-vous sur le rythme

Une mélodie a deux grandes variables - pas seulement les notes que vous utilisez, mais la durée pendant laquelle chaque note est tenue : c'est-à-dire le rythme. Les airs de nombreuses grandes chansons sont reconnaissables uniquement au rythme de la mélodie - essayez simplement de chanter l'une de vos chansons sans rythme. Plus difficile que vous ne le pensez !

Il y a plusieurs façons d'aborder le travail à partir du rythme en premier. Vous pouvez utiliser la notation et configurer un modèle (manuscrit manuscrit ou éditeur de partition/DAW) ou commencer par un rythme (en direct ou composé).

Modèles de notation

De nombreuses chansons utilisent des sections de 4, 8 ou 16 mesures ou mesures. Commencez avec 4 mesures et composez une mélodie potentielle - une seule note et un rythme régulier.

Comme ça:

Je sais - rien d'extraordinaire ! Mais à partir de là, vous pouvez modifier délibérément les valeurs des notes petit à petit, jusqu'à ce que le rythme ressemble davantage à ce que vous avez en tête. Et vous pouvez facilement voir l'idée un peu plus rythmée, répétée et variée.

Une fois que vous avez trouvé un rythme que vous aimez, réfléchissez à ce que seraient les hauteurs réelles. Je l'ai fait en temps réel à la guitare, avec mon cours d'écriture de chansons en ligne faisant des suggestions sur la façon de modifier le rythme et la hauteur pour arriver à une phrase mélodique de 4 mesures. Ils ont suggéré « monter d'un tiers » ou « descendre d'un tiers », « commencer quelque part », « rendre la fin plus compliquée », et à la fin quelque chose d'assez prosaïque sonnait comme une mélodie, assez rapidement.

Batteurs en direct, rythmes et plug-ins

L'une des choses intéressantes à regarder la trilogie " Get Back " des Beatles était à quel point Ringo Starr était attentif aux efforts d'écriture de chansons de Paul McCartney, John Lennon et George Harrison. Il fournissait constamment une source apparemment infinie de bonnes sensations, entourant les auteurs-compositeurs avec quelque chose à travailler mais aussi à générer rapidement instinctivement mais aussi capable de prendre des directives pour que les chansons sonnent rapidement comme des brouillons. Une aubaine pour le flux de travail.

À défaut d'avoir un merveilleux batteur interne sous la main, utiliser n'importe quels plugins, boîtes à rythmes ou boucles de votre propre studio/ordinateur portable est un excellent endroit pour créer une ambiance qui va chanter ou jouer des idées en réponse au groove. Un "beat" complet vous donne généralement un contenu harmonique, mais rien ne vous empêche de commencer par programmer uniquement le rythme. Il n'est pas nécessaire que ce soit un kit complet bien sûr, et beaucoup peut être fait à partir de sons de percussion minimaux et intéressants.

5. Rythme lyrique - Les mots d'abord

Les mots viennent dans des motifs rythmiques accentués ou accentués qui leur sont propres. Les utiliser pour créer le rythme mélodique peut produire des mélodies extrêmement chantables qui se soudent étroitement aux paroles, car une mélodie créée de cette manière a déjà le rythme naturel des mots accentués. C'est la sauce magique de la prosodie - l'union des mots et de la musique en une seule entité.

Toujours depuis l'eau-moi-lon

est une ligne jetable de la chanson de Paul Simon, The Myth of Fingerprints . Les syllabes sont chantées en 8 croches ou croches égales, avec un accent sur Ev de toujours et Wa de pastèque. Sens…? Le jury est là-dessus, mais mec, c'est facile à chanter !

De nombreuses phrases conversationnelles sont pleines de tels rythmes. Il y a de fortes chances que si vous pouvez le dire facilement, vous pouvez le chanter. Trouver les schémas de stress ou de non-stress dans des mots ou des phrases particuliers s'appelle la scansion , et cela donne de bons os rythmiques à votre mélodie potentielle. Voir comment vos idées lyriques sonnent lorsque vous les prononcez à haute voix et trouver le rythme à l'intérieur peut être une solide porte de départ pour un bon morceau.

Il y a énormément à apprendre des chansons que vous aimez. Il y a de fortes chances que leurs mélodies contiennent certains des principes discutés, mais elles auront toutes commencé à partir de quelque chose d'assez petit et construit à partir de là. Alors écoutez encore, écoutez bien et écoutez attentivement ! Si jamais vous êtes coincé pour un point de départ, essayez certaines de ces idées et écrivez quelque chose de merveilleux.