Comment enregistrer et traiter les voix dans votre home studio

Le morceau est serré, la basse est écrasante, la batterie est percutante, les guitares hurlent, et le synthétiseur est parti jouer à World of Warcraft. Les lumières s'éteignent, et escorté à travers la porte par trois gardes et un tapis rouge arrive : le chanteur. C'est l'heure.

Bien que ce ne soit peut-être pas une représentation totalement précise de votre session d'enregistrement, une chose reste vraie : les voix sont incroyablement importantes pour une chanson et un mix. À moins que vous ne soyez un groupe instrumental, le chant est un élément clé pour conduire l'histoire, l'émotion de votre chanson et ponctuer tous les efforts que vous avez mis dans la musique.

Obtenir la bonne voix est l'une des tâches les plus longues dans un mix, et pour cause. Avec trop de traitement, on peut dire que c'est artificiel. Mauvais égaliseur ? Nous le remarquerons avant la fin de la première ligne. Trop autoréglé ? Nous savons que vous ne pouvez pas chanter comme ça. Des performances plates et sans vie ? Nous savons que vous ne pensez pas ce que vous dites.

La transparence dans une voix est la clé, et une excellente performance est primordiale par-dessus tout. Une excellente performance vocale et une livraison mélangées mal et mal égalisées sont toujours meilleures qu'une voix ultra vierge et stérile avec rien d'autre qu'une automatisation soignée du retard.

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Choisir un micro

Le choix du micro est l'une des premières et des plus importantes décisions que vous devrez prendre. Avec les micros, il existe des tonnes de modèles polaires (la direction dans laquelle le microphone capte le son) et un tas de choix pour la méthode de capture (dynamique, condensateurs, rubans, condensateurs à tube, micros spécialisés, etc.).

Si vous n'avez pas plusieurs microphones, rendez-vous dans un magasin de musique et découvrez-en quelques-uns ! Tous les micros ne sont pas créés égaux, et ce micro à 100 $ peut sembler incroyable avec votre chanteur, tandis que le condensateur à tube de 3000 $ les fait sonner comme s'ils étaient derrière un mur de carton. Cependant, si vous n'avez pas le budget pour un casier micro, vous seriez étonné de ce que vous pouvez obtenir d'un Shure SM58.

Je ne saurais trop insister sur l'importance de bien faire les choses à la source. Si vous passez une demi-heure à A/Bing des micros, vous ne le regretterez pas !

Placement du micro

Le placement du micro est une autre bataille difficile. Avec certains micros (comme la plupart des condensateurs à large diaphragme), les hautes fréquences sont très présentes car la capsule est extrêmement sensible. Ainsi, vous devrez peut-être placer votre micro à quelques centimètres du côté du chanteur ou tourner le micro d'environ vingt degrés pour éviter les sibilances excessives et les plosives.

Assurez-vous d'utiliser un filtre anti-pop! Si vous n'avez pas de filtre anti-pop, des collants et un cintre peuvent fonctionner à la rigueur.

De manière générale, s'il s'agit d'une performance douce, placer le filtre anti-pop à environ 3 pouces du micro et faire en sorte que le chanteur s'éloigne d'environ 2 pouces peut être formidable. S'il s'agit d'une voix forte, placez le filtre à environ 6 à 8 pouces et récupérez votre chanteur à 4 ou 6 pouces de plus !

Un bon étagement du gain avec votre préampli est également important. Assurez-vous donc de vérifier vos niveaux avant d'appuyer sur le gros bouton rouge !

(Protip - culminer juste au-dessus du jaune est un niveau sain, soit environ -8db)

Édition et traitement des voix

Maintenant que vous avez appuyé sur le gros bouton rouge et capturé ce qui, espérons-le, était une excellente session vocale, il est temps d'éditer !

Entre les phrases, les lignes et les couplets, ainsi que dans les sections instrumentales, il y a du silence et des souffles. Bien que laisser des respirations puisse être bon pour des pistes plus calmes et émotionnelles, c'est généralement une bonne idée de s'en débarrasser. Vous pouvez entrer et supprimer tout silence et supprimer les respirations manuellement.

Maintenant, pourquoi ferais-je cela alors que j'ai un noise gate ? Eh bien, parce que cela rendra le noise gate un peu plus efficace. Cela libérera de l'espace supplémentaire dans le mixage (bruit de casque !) et aidera à réduire le bruit de fond de la piste.

De plus, au cours de cette partie, vous voudrez découper les prises et utiliser les meilleures parties de chacune pour obtenir une voix incroyable. Certains peuvent considérer cela comme de la triche, mais si vous mettez votre nom dessus, vous feriez mieux d'être sûr que c'est génial !

Maintenant que notre voix a été éditée et nettoyée, il est temps de sortir l'ancienne chaîne de signal et tout. Nous pouvons faire monter notre égaliseur, pomper les compresseurs, bloquer les bruits parasites, exciter les harmoniques pour la saturation et toutes sortes d'autres choses amusantes.

Correction de hauteur

Mais, d'abord, nous voudrons peut-être corriger la voix. Maintenant, la correction de hauteur peut être un sujet délicat. Certaines personnes le détestent, d'autres l'utilisent tellement que la performance ne semble pas humaine.

La correction de hauteur, lorsqu'elle est appliquée subtilement, est un excellent outil dans votre arsenal et peut faire passer une performance de très bonne à absolument époustouflante.

Pour offrir un son naturel, vous pouvez régler les outils de correction de hauteur sur la clé et l'échelle de la chanson, et le laisser avec un temps de correction assez lent. Cela aide à garder les choses en harmonie, sans trop lancer les voix d'une manière qui semble perceptible.

Cela dit, si vous faites du pop hardcore ou du hip hop moderne, lancez votre contrôleur midi et hachez et lancez la voix idiote. Rappelez-vous, si la chanson l'exige, faites-le.

égaliseur

Maintenant, nous pouvons passer à la péréquation. L'égalisation est un sujet vraiment complexe, mais tout se résume à quelques principes de base. Personnellement, je suis du côté de la clôture qui privilégie la coupe au boosting. Si vous réunissez dix ingénieurs dans une pièce, vous obtiendrez dix réponses différentes ici.

Avec le chant, les points généraux que vous voudrez retoucher sont les suivants :

Highpass : L'outil le PLUS utile dont vous disposez. Ce n'est pas à débattre ici. Passez en haut votre voix à partir d'environ 120 Hz et ajustez au besoin. Continuez à monter jusqu'à ce que vous perdiez le "corps" de la voix, puis reculez un peu.

Out of the Box : 500hz est une fréquence mortelle pour la plupart des chanteurs. La plage de 350 à 650 Hz cache des sons "boxy" vraiment désagréables. Couper ici avec une valeur Q moyenne d'environ 3db peut faire toute la différence dans le monde.

Peux tu m'entendre maintenant? - 1k : 1000hz est une zone très importante dans un mix. Il y a beaucoup d'énergie ici. Si vous éliminez trop de médiums, votre mix sonne vraiment creux. Mais, avec le chant, c'est un domaine critique. De 1 à 3k environ, il y a toujours soit de la dureté, soit un manque de clarté. Couper avec un Q aigu à moyen d'environ 1 à 3 dB ou augmenter avec un Q large d'environ 2 dB peut faire ressortir une certaine clarté ou supprimer la dureté.

Spit shine : 8-10k est un endroit idéal pour faire ressortir un peu d'air sur la voix. Même plus élevé (12-16k) est également un bon choix, selon la voix. Maintenant, vous pouvez soit augmenter avec un bon Q large jusqu'à 3db environ, soit utiliser une étagère haute pour faire ressortir cette fréquence et tout ce qui se trouve au-dessus.

Compression

Il est maintenant temps de rendre cette voix agréable et collée ensemble. La compression est un autre outil ultra important.

Avec le chant, il y a plusieurs façons de s'y prendre. Un seul compresseur peut être tout ce dont vous avez besoin pour un morceau de jazz. Pour une piste de dubstep claquante, vous aurez peut-être besoin de compresseurs en série, ainsi que d'un compresseur parallèle pour un compresseur haut de gamme séparé.

Un livre entier pourrait être écrit sur la compression et d'autres techniques de production vocale. Mais pour cet article, nous allons le réduire à l'une de mes approches personnelles de la compression pour le chant :

Deux compresseurs en série (l'un après l'autre)

C'est un excellent moyen d'apprivoiser la voix, puis de vraiment la coller ensemble. La surcompression est une erreur courante chez les amateurs. Avoir des compresseurs en série est un excellent moyen de se contrôler et de créer un son vocal qui tue, mais vous pouvez toujours supprimer le second !

Quelques compresseurs à découvrir : Waves H-Comp, émulation API 2500, émulation LA2A

Le premier compresseur doit être réglé à environ 6: 1 pour le rapport, avoir une attaque rapide et un relâchement rapide à moyen, avec environ -6 dB à -10 dB de réduction de gain. Pour le deuxième compresseur, vous pouvez le régler pour environ -2db à -4db de réduction de gain.

N'oubliez pas de toujours A/B vos modifications et assurez-vous que cela améliore la voix d'une manière ou d'une autre. Ne faites que le nécessaire pour la piste avant tout ! Ajuster le seuil entre les deux est aussi une bonne astuce pour s'assurer de ne pas presser toute la vie de la voix !

Effets

Parlons effets maintenant ! 9 fois sur 10, les meilleurs effets pour le chant sont une bonne reverb à plaque, et un joli delay analogique .

La clé avec les effets est encore une fois de ne pas en faire trop. Mélangez-le lentement, et seulement au point que lorsque vous le coupez, vous sentez qu'il manque quelque chose. À moins que vous ne recherchiez spécifiquement des voix ultra délavées, n'ajoutez pas plus d'effets que nécessaire !

Bon mélange !

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