전통적인 애니메이션의 과정을 배우십시오

애니메이션 영화를 처음 봤을 때를 기억하십니까? 그것이 라이온 킹 이든, 겨울왕국 이든, 토이 스토리 이든, 극장의 그 시간은 마법처럼 느껴졌습니다. 캐릭터가 화면에 생생하게 등장하는 그 순간은 사실이라고 하기에는 너무 기분이 좋았습니다. 그러나 당신이 알지 못할 수도 있는 것은 그 영화가 제작하는 데 수년간의 노력과 헌신이 필요했다는 것입니다. 오늘 우리는 전통적인 애니메이션의 과정과 그것이 어떻게 작동하는지 살펴볼 것입니다.

전통 애니메이션이란?

전통적인 애니메이션은 예술가들이 프레임 단위로 움직임을 그리는 예술적 매체입니다. 기본적으로 작가는 같은 그림을 계속해서 그릴 것입니다. 그러나 이러한 각 프레임은 약간의 변형으로 그려집니다. 따라서 이 모든 이미지를 차례로 볼 때 움직임의 착시가 발생합니다.

공책 모서리에 애니메이션을 만들어 본 적이 있습니까? 어렸을 때 우리는 종종 각 페이지에 같은 캐릭터를 다른 위치에 보여주는 작은 만화를 그렸습니다. 결국, 우리는 그 노트북의 모서리를 잡고 정말 빨리 뒤집고 우리 캐릭터가 움직이는 것을 지켜볼 것입니다. 이런 경험이 있다면 전통적인 애니메이션에 대한 경험도 있는 것입니다.

이 예술 형식을 셀 애니메이션이라고도 합니다. "Cel"은 셀룰로이드라는 단어를 의미합니다. 그림을 그리는 데 사용되는 투명 시트. 전통적인 애니메이터는 일반적으로 좋아하는 연필과 함께 셀룰로이드를 사용합니다.

각 도면은 플라스틱 셀에 공급됩니다. 그 때 물감을 채우고 하나씩 사진을 찍었다. 이렇게 하면 칠해진 배경 위에 묘사된 전체 애니메이션이 생성됩니다.

따라서 기존 애니메이션으로 구성된 짧은 광고를 만들고 있다고 가정해 보겠습니다. 당신의 광고는 짧을 수 있지만, 그 광고 뒤에 숨겨진 과정은 보이는 것 이상입니다.

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1단계: 스토리보드

애니메이터에게 물어보면 이것이 모든 프로젝트의 첫 번째 단계라고 말할 것입니다. 스토리보드는 TV나 영화 제작의 줄거리를 나타내는 일련의 그림입니다. 일부 대화 및 작업 기반 명령이 포함될 수 있지만 스토리보드는 주로 그림으로 구성됩니다. 스토리보드는 원하는 만큼 길거나 짧을 수 있지만 그 목적은 주요 플롯 포인트와 움직임을 강조하는 것이어야 합니다.

어떤 경우에는 스크립트로 두 배가 될 수 있습니다. 많은 애니메이션 제작물은 스토리보드에 대화를 기반으로 합니다. 다른 제작물은 실제 대본을 사용하는 것이 더 나을 수 있습니다. 어느 쪽이든 애니메이터는 프로세스를 시작하기 위해 스토리보드가 필요합니다.

2단계: 녹음

애니메이션을 시작하기 전에 준비 사운드트랙을 녹음해야 합니다. 즉, 광고를 위해 애니메이터를 고용하는 경우 음악 및 음향 효과를 만들 사람도 고용해야 합니다. 캐릭터 중 말하는 역할이 있는 경우 성우를 고용해야 합니다.

이 과정에서 가장 먼저 생성되는 것은 스크래치 트랙입니다. 여기에는 음향 효과와 성우만 포함됩니다. 결국 전체 사운드트랙에는 사운드, 음악 및 대화의 모든 요소가 포함됩니다.

전체 사운드트랙은 애니메이션 전에 생성되어야 합니다. 이를 통해 애니메이션을 음성 연기 및 음향 효과와 쉽게 동기화할 수 있습니다.

3단계: 애니매틱 만들기

애니메이션 커뮤니티에 참여하고 있다면 "애니매틱스"라는 것을 들어봤거나 본 적이 있을 것입니다. 그러나 정확히 무엇입니까?

애니매틱은 이미지/스케치 시퀀스로 구성된 스토리 릴입니다. 이것은 최종 애니메이션의 연마되지 않은 버전을 보여주기 위해 만들어졌습니다. 대략적인 초안이라고 생각하세요. 일반적으로 아티스트는 선택할 수 있는 여러 애니메이션을 만듭니다.

4단계: 설계 프로세스

애니메틱이 선택되면 다른 자산(스토리보드, 사운드 등)과 함께 디자이너에게 보내야 합니다. 이 디자이너들은 각 캐릭터가 각 각도에서 어떻게 보일지 묘사하는 모델 시트를 만들 것입니다.

모델 시트에는 종종 얼굴 표정과 포즈뿐만 아니라 전신 샷이 포함됩니다. 이것은 관련된 모든 애니메이터가 머리 속으로 같은 아이디어를 가지고 작업하기 때문입니다. 결국, 각 프레임이 다른 사람이 그린 것처럼 애니메이션이 표시되는 것을 원하지 않습니다(그럴 수도 있지만). 그래서 디자인 프로세스가 중요합니다.

물론 설정과 대사도 빼놓을 수 없다. 배경 스타일리스트는 설정의 색 구성표와 전체 구성을 결정합니다. 한편, 타이밍 디렉터는 음향 효과와 대화를 분석하여 입술이 어떻게 움직여야 하는지 결정합니다.

5단계: 레이아웃

애니메이션은 조명과 카메라 각도를 고려해야 합니다. 색상, 음향 효과, 카메라 각도 및 조명이 포함된 최종 애니메이션을 만들어야 합니다. 물론 이것은 완전히 애니메이션되지는 않습니다.

6단계: 마지막으로 애니메이션!

아휴! 모든 시행착오 끝에 마침내 좋은 부분에 도달했습니다. 애니메이션 과정. 여기까지 오는 데 많은 시간이 걸릴 수 있지만 결과는 그만한 가치가 있습니다. 최종 애니매틱을 승인하면 이 프로세스가 마침내 시작될 수 있습니다.

앞에서 언급했듯이 전통적인 애니메이션은 프레임 단위로 움직임을 그리는 방식으로 이루어집니다. 이 과정에서 시간 동기화가 매우 중요해집니다. 애니메이터는 캐릭터의 행동이 오디오에서 일어나는 일과 일치하기를 원합니다. 따라서 이는 여러 테스트와 수정을 의미합니다.

애니메이션은 감독과 제작자(이 경우 귀하)가 결과에 만족할 때까지 지속적인 테스트 및 검토 주기를 거칩니다.

이러한 것들을 잊지 마세요

전통적인 애니메이션은 길고 지루한 과정입니다. 부정할 수 없습니다. 그러나 애니메이터가 작업 속도를 높이기 위해 할 수 있는 특정 작업이 있습니다. 예를 들어 전통적인 애니메이션의 대부분은 디지털 방식으로 수행할 수 있습니다. 그리고 애니메이션의 실제 프로세스에 관해서는 취할 수 있는 몇 가지 지름길입니다. 예를 들어 애니메이터는 로토스코핑을 사용하여 실사 영상을 추적할 수 있으므로 모든 프레임을 처음부터 그려야 하는 수고를 덜 수 있습니다. 또는 제한된 애니메이션이나 스톱 모션 애니메이션과 같은 전통적인 셀 애니메이션 기술을 사용할 수도 있습니다. 어떤 경우이든 전통적인 애니메이션을 조금 덜 전통적으로 만들고 훨씬 더 적은 시간을 소모하도록 하는 방법이 있습니다.